Im Unterricht über Filme sprechen

Jeder Film folgt einem visuellen Konzept, das festlegt, wie die handelnden Personen gezeigt werden, welche Atmosphäre zu welchem Zeitpunkt des Films erzeugt, welche Stimmungen und Assoziationen beim Zuschauer geweckt werden sollen.

Schon nach wenigen Minuten wissen wir, worum es in dem Film, der ja eigentlich noch vor uns liegt, geht. Bereits die ersten Einstellungen fassen meist das gesamte Thema eines Films kurz zusammen. Wer daher am Anfang genau hinschaut, kann entdecken, was auf sie oder ihn zukommt. Exposition bedeutet die visuelle und akustische Einführung der Zuschauer/-innen in Grundstimmung, Ausgangssituation, Zustände, Zeit, Ort und Personen des Films. Auch werden zu Beginn bereits wichtige Voraussetzungen und Hintergründe der Filmhandlung vermittelt, die für das Verständnis eines Films essenziell sind.

In der Dramaturgie einer Filmsequenz spielt die Kameraperspektive eine entscheidende Rolle. Drei wichtige Perspektiven sind die Normalsicht, die Untersicht und die Draufsicht. Die Normalsicht, eine Auge-in-Auge-Perspektive, entspricht unserer alltäglichen Wahrnehmung und erzeugt Nähe. Die Untersicht kann beispielsweise eine Person als Held/-in oder Idol erscheinen lassen oder bedrohlich wirken – abhängig von Licht und Inszenierung. Die Extremform ist die Froschperspektive. Die Draufsicht hingegen lässt Gegenstände und Personen oft kleiner, hilfloser oder machtloser wirken. Die Extremform ist die Vogelperspektive.

Die meisten verbinden mit Kamerabewegung Begriffe wie Kamerafahrt oder Schwenk. Heutzutage ist der Umgang mit Kamera und Computer aber noch weit vielfältiger als früher. Wie die Kamera in einem gestalteten Filmraum bewegt wird, gibt Auskunft darüber, welche Wirkung die Regisseurin oder der Regisseur erzeugen möchte. Zwei gegensätzliche Beispiele seien hier herausgegriffen: die Handkamera und die Steadicam, die durch ein Halterungssystem verwacklungsarme Bilder liefert.

Licht und Farbe sind immens wichtig für die Wirkung eines Filmes und fast nie dem Zufall überlassen. Die beiden Elemente sind sogar prägend für die Qualität des gesamten Films. Beides richtig einzusetzen, erfordert Können und viel Geld. Mit Hilfe der Beleuchtung werden unsere natürlichen Sehgewohnheiten imitiert oder zum Beispiel die Spannung durch eine intensive Schattenführung verstärkt. Die Farbgebung entscheidet mit darüber, ob wir einen Ort, Personen oder Handlungen als fröhlich oder trist wahrnehmen. Oft tauchen in einem Film auch Symbolfarben auf, die als Motiv wiederkehren.

Sie sind unsichtbar und entfalten doch eine ungeheuer starke Wirkung im Film: Ton, Geräusche und Musik. Und die Filmemacher/-innen widmen diesen Elementen größte Aufmerksamkeit. Bei Titanic haben beispielsweise allein 150 Leute am Sounddesign gearbeitet. Das Sounddesign geschieht in der Postproduktion eines Films und bezieht sich auf die Herstellung und Mischung von Geräuschen und Effekten. Dabei werden sowohl Töne und Geräusche beim Dreh aufgenommen, als auch später hinzugefügt. Die Musik beeinflusst stark die Stimmung eines Films. Sie transportiert Emotionen mit, erhöht die Spannung und gestaltet Übergange von Szenen.

Die Einstellungsgröße in der Kinematografie (siehe weiter unten) bestimmt, wie viel und wie detailliert ein Objekt im Bild zu sehen ist. Sie wird durch die Entfernung zur Kamera und die Objektivwahl beeinflusst. Typische Kategorien sind Großaufnahmen, Halbnah- und Totaleinstellungen. Die Einteilung in Einstellungsgrößen basiert oft auf dem menschlichen Körper und ermöglicht es, verschiedene Perspektiven und Details innerhalb einer Szene zu betonen. Diese Unterscheidungen sind entscheidend für die visuelle Ästhetik eines Films und tragen dazu bei, die emotionale Wirkung und den Erzählfluss zu beeinflussen.

Der Schnitt, auch bekannt als Editing, bezeichnet das Verfahren der Auswahl, des Zuschneidens und Zusammenfügens von aufgenommenem Filmmaterial, um einen zusammenhängenden Film zu erstellen. Neben dem harten Schnitt gibt es verschiedene Techniken, um nahtlose Übergänge zwischen den Aufnahmen zu schaffen.

Die Kinematografie ist ein essenzieller Bereich der Filmproduktion, der sich auf das Aufzeichnen von Bewegung konzentriert. Sie ist eng mit der Fotografie verbunden und umfasst die Wahl des Filmmaterials, die Beleuchtungsplanung, Objektivauswahl und -fokussierung sowie die Bildkomposition. In der Kinematografie unterscheidet man oft zwischen dem Director of Photography, der die visuelle Ästhetik leitet, und dem Kamera-Operator, der die Kamera bedient, obwohl diese Rollen manchmal von derselben Person ausgeführt werden.

Die Diegese eines Films umfasst alles, was von den Figuren wahrgenommen werden kann. Dazu zählen zum Beispiel sichtbare Schauplätze, Handlungen und Gegenstände, die die Welt der Geschichte formen. Die Zuschauer/-innen konstruieren auf Basis dieser Informationen eine kohärente Vorstellung der Filmwelt. Elemente wie Filmmusik, Erzählerstimmen oder atmosphärische Geräuscheffekte gelten als nicht-diegetisch, da sie unabhängig von der Diegese der Erzählung hinzugefügt werden.

Der Begriff beschreibt alle visuellen Aspekte im Filmbild, von der räumlichen Gestaltung bis zur Bewegung der Schauspielenden. Ursprünglich aus dem Theater stammend, betont er die Inszenierung und Anordnung sichtbarer Elemente vor der Kamera. Besonders in Filmen mit langen Einstellungen ist Mise-en-Scène entscheidend, da es die räumliche Strukturierung betont. Den Gegensatz dazu bildet die Montage, die sich mehr auf die zeitlichen Abläufe der Filmhandlung konzentriert.

Meist ist es nicht möglich, einen Film im Rahmen einer Stunde/Doppelstunde vollständig anzuschauen. Dieser mitunter ärgerliche Umstand kann jedoch in einen Vorteil verwandelt werden, wenn der Film an bestimmten Stellen bewusst abgebrochen wird. So kann zum Beispiel der Film bereits nach den ersten 10 Minuten gestoppt und bei den Schülerinnen und Schülern abgefragt werden, welche Informationen sie bereits erhalten haben („filmische Exposition“). Auch in kritischen Entscheidungssituationen kann der Film angehalten und mit der Klasse darüber spekuliert werden, wie sich die Figur verhalten wird. Dies kann – neben dem klassischen Unterrichtsgespräch – auch in einem szenischen Spiel erfolgen.

Bei dieser Methode berichten Kinder und Jugendliche von ihren Lieblingsfilmen. Anschließend können diese Filme einzelnen Genres zugeordnet werden, die in der Filmtheorie unterschieden werden (Drama, Action, Fantasy, Komödie, Horror, Science-Fiction, Liebesfilm, Thriller). Interessant ist häufig auch eine Diskussion darüber, ob Lieblingsfilme die/den jeweilige/-n Zuschauer/-in charakterisieren.

Gerade bei Literaturverfilmungen lohnt es sich, kurze Textpassagen eines Buchs in ein eigenes Storyboard für einen Film umwandeln zu lassen. Das Storyboard umfasst die Planung aller Einstellungen mit dem dazugehörigen Bildaufbau, den Kameraperspektiven und -bewegungen und den dazugehörigen Dialogen. Anschließend können die kreativen Ideen der Schüler/innen mit der Literaturverfilmung verglichen werden. Die Ergebnisse der Schülerinnen und Schüler verbessern sich dabei signifikant, wenn die Einstellungsgrößen bereits eingeführt wurden (Totale, Halbtotale, Halbnahe, Detail).

Die Ebene des Tons stellt ein wichtiges Element der Filmtheorie dar, wird in der schulischen Betrachtung aber häufig vernachlässigt. Dabei ergeben sich gerade in diesem Bereich im Unterricht vielfältige Einsatzmöglichkeiten. So kann bereits die Filmmusik suggerieren, um welche Art von Film es sich handelt. Auch das Unterlegen einer Szene mit völlig gegensätzlicher Musik veranschaulicht nachdrücklich, wie sehr die Atmosphäre und Stimmung eines Films von der musikalischen Untermalung abhängt. Als Einstieg in eine Unterrichtsstunde, die die Filmmusik in den Vordergrund rückt, eignet sich besonders ein Filmmusikquiz.

Kurze Dialogszenen bieten eine großartige Möglichkeit für eine Nachsynchronisation. Schüler/-innenkönnen dabei ihr Timing und das Hineinfühlen in eine Rolle üben. Dialoge in englischer Sprache können auch ins Deutsche übersetzt und damit eine „neue“ Version der Szene erstellt werden. Die Kinder und Jugendlichen werden dabei auf das Problem stoßen, dass direkte Übersetzungen häufig nicht lippensynchron zum Original sind und damit leicht abgeändert werden müssen, ohne jedoch den Inhalt dabei zu verfälschen. Ebenfalls möglich ist in diesem Zusammenhang, den Schauspielerinnen und Schauspielern völlig neue Texte zu schreiben, um so den Dialog bezüglich Atmosphäre und Inhalt zu verändern.

Besonders kostenintensive Filme werden aufwändig beworben. Zum Bereich Werbung gehören nicht nur der Filmtrailer, sondern auch das Filmplakat. Indem Lernende ein eigenes Filmplakat erstellen, müssen sie das Geschehen im Film auf ein Bild zu reduzieren. Im Anschluss können die Schülerversionen mit dem Original verglichen werden. Zusätzlich zu klassischen Mitteln nutzen Streaming-Plattformen und soziale Medien Beschreibungstexte, um Interesse zu wecken. Auch Schüler/-innen können solche Texte verfassen, wobei darauf zu achten ist, Neugierde auf den Film zu wecken, ohne zu viele Details zu verraten.

Nach dem Schauen eines Filmes bietet es sich an, dass Schüler/-innen selbst eine Kritik verfassen. Hierfür sollte mithilfe von Beispielen vorab geklärt werden, welche Informationen eine Kritik enthalten sollte (Titel, Regisseur/-in, Drehbuchautor/-in, Hauptdarsteller/-in, zentrale Themen und begründetes Lob oder Kritik). Ähnlich wie bei den Informationstexten muss ein Teil der Handlung durch die Schülerinnen und Schüler skizziert werden, ohne zu viel von der Spannung herauszunehmen.

Lasse Sie Ihre Schülerinnen und Schüler in die Rolle der Regisseurin oder des Regisseurs schlüpfen und sich passend zu einer Literaturverfilmung eine eigene Besetzung des Films ausdenken. Online können sie Schauspieler/-innen recherchieren und danach ihren Cast eigenständig zusammenstellen. Diese Auswahl eignet sich später im Unterrichtsgespräch als Diskussionsgrundlage dafür, ob die gewählten Schauspieler/-innen den literarischen Vorgaben entsprechen oder nicht.

An bestimmten Stellen des Films kann es sinnvoll sein, ein Standbild zu analysieren. Hierbei lassen sich die drei Bildebenen (Vordergrund, Hintergrund und Mitte) problemlos analysieren. So kann die gängige Vorstellung der Schüler/-innen, dass zentrale Ereignisse nur in der Bildmitte oder im Vordergrund passieren, relativiert werden.

Neben der Einstellungsgröße ist auch die Kameraperspektive ein wichtiges Element der Filmtheorie. Hierbei wird unterschieden zwischen Froschperspektive, Untersicht, Normalsicht, Aufsicht und Vogelperspektive. Diese können dann anhand von Screenshots aus dem angesehenen Film erläutert werden. Auch mit einer einfachen Digital- oder Handy-Kamera können Kinder und Jugendliche die verschiedenen Kameraperspektiven spielerisch ausprobieren. Nicht zuletzt lassen sich diese besonders gut in Dialogszenen einsetzen, etwa bei einem Gespräch zwischen Untergebenem (Vogelperspektive) und Vorgesetztem (Froschperspektive), um das Verhältnis der Figuren zueinander darzustellen.

Durch das Erstellen von Figurenschaubildern  erhalten Schüler/-innen einen Einblick in die komplexen Beziehungen und Perspektiven der Figuren in einem Film. Sie können die Namen der Haupt- und Nebenfiguren sowie deren Beziehungen visualisieren sowie durch farbliche Hervorhebungen Konflikte und freundschaftliche Beziehungen verdeutlichen. Dies fördert das Verständnis für den dramaturgischen Aufbau des Films und ermöglicht Diskussionen über unterschiedliche Standpunkte und Motive der Charaktere.